Die Photoshop- Stilgeschichte (Teil 1/3)

Seit der Erfindung von Photoshop vor über 30 Jahren sehen wir in den Medien fast nur noch optimierte, stilisierte oder inhaltlich manipulierte Abbildungen. Christoph Künne betrachtet die Entwicklung dieser von Photoshop & Co beeinflussten ästhetischen Entwicklung. Eine visuelle Reise durch die letzten zwei Jahrzehnte. Vorgeschichte: Die Möglichkeiten ausloten Als DOCMA 2002 zum ersten Mal erschien, hatte Photoshop bereits 15 Jahre auf dem Buckel – sofern man die ganz frühen drei Jahre mitzählt, in denen es vor der Version 1.0 von 1990 vornehmlich zur Ansteuerung professioneller Scanner eingesetzt wurde. Auch danach, unter der Regie von Adobe, war die bis 1992 nur für Apple-Rechner verfügbare Software ein Tool von Profis in der Lithografie und Grafik. Lithografen nutzten die „Elektronische Bildverarbeitung“ (EBV) vor allem, um eingescannte Fotos für die Reproduktion im Offset-Druck aufzubereiten. Eine eigenständige Ästhetik gab es hier also nicht. Ganz anders war es bei den Berufen, die man heute gerne unter „Mediendesigner“ zusammenfasst, wie Grafiker, Reinzeichner, Illustrator oder Negativretuscheur. Sie bemächtigten sich des neuen Werkzeugs vor allem, um damit traditionelle analoge Techniken zu simulieren. Die Bandbreite verlief quer durch die Gestaltungswelt von Zeichen-, Mal- und Fototechniken bis zur Simulation von Rasterdrucken, Airbrush-Malereien, plastischen Typoeffekten, Radierungen, Holzschnitten und vielen anderen, tendenziell historischen grafischen Ausdrucksformen bis hin zu eher einfachen Fotomontagen. Docs Selbstporträt (1994) Doc Baumann gilt seit den späten 80er Jahren als einer der experimentierfreudigsten und erfindungsreichsten Foto-Grafiker im deutschsprachigen Raum. Sein besonderes Augenmerk legt der studierte Künstler und promovierte Kunstwissenschaftler auch heute noch auf die digitale Umsetzung traditioneller grafischer Techniken. Hier im Bild: die Ölmalerei inklusive Krakelüre. Mitte der 90er Jahre, nach den ersten, oft eher spielerischen Experimenten, zog die Photoshop-Ästhetik sichtbar in den Alltag ein. Die Kreativen stürzten sich förmlich auf die neuen Versionen mit Werkzeugen wie Ebenen-Verrechnungsmodi, Vektor-Ebenen, Effektfiltern oder Kai‘s Power Tools (KPT)-Plug-ins und nutzten sie, wo immer es sich anbot. Ein weitere Gruppe, die diese Neuerungen begierig aufnahm, waren die Kunstschaffenden. Ihnen ging es weniger um laute Effekte als vielmehr darum, die Möglichkeiten und Grenzen auszuloten, wie sich mit den neuen Tools unsere Wahrnehmung der Wirklichkeit verändern ließ. Der Ausstellungskatalog „Fotografie nach der Fotografie“ von 1996 nahm bereits fast alles vorweg, wofür sich die Masse der Photoshop-User und die CGI-Artists in den folgenden 25 Jahren begeisterte. Ralf Peters Tankstellen (1998) Ralf Peters, ebenfalls ausgebildeter Künstler, hat in seiner Arbeit schon in den 90ern die Möglichkeiten der digitalen Bildbearbeitung adaptiert. Im Gegensatz zu Doc Baumann allerdings eher mit kontemporären, an der Fotografie orientierten künstlerischen Positionen. Nur eine Gruppe schien damals mit Photoshop wenig anfangen zu können: die Fotografen. Bis zur Jahrtausendwende war die digitale Fotografie ein teures Spielfeld für „Early-Adopters“, also jene vornehmlich männliche Gruppe von Technikliebhabern, die immer ganz vorne an der Speerspitze der Entwicklung dabei sein will. „Normale“ Fotografien, unabhängig davon, ob sie beruflich oder aus Passion entstanden, wurden noch bis etwa 2002 mehrheitlich auf Film belichtet. Uli Staiger ist seit den späten 90er Jahren selbständiger Fotograf. Ausgestattet mit einem altmodischem Meistertitel, arbeitet er bevorzugt mit den modernsten Techniken. Seine Bilder erzählen Geschichten. Oft surreal, meist sichtbar technikbegeistert, immer optisch imposant. Schon beim ersten DOCMA Award 2003 fielen seine Arbeiten aus der Masse heraus und waren eindeutig an den für Staiger bis heute typischen Gestaltungsmustern identifizierbar. Fotomontagen In der Fotografie setzte sich die Digitalisierung über einen Zeitraum von rund fünfunddreißig Jahren durch. Obwohl schon 1972 erfunden und ab Mitte der 80er vermarktet, brauchte es noch bis etwa 1995, bevor erste Kamera-Modelle zu erschwinglichen Preisen auf den Markt kamen. Der Durchbruch auf breiter Front, dem in der Folge Filmhersteller wie Kodak, Agfa und Polaroid zum Opfer fielen, setzte erst nach der Jahrtausendwende ein. Auslöser des Booms der „richtigen“ Digitalfotografie war der japanische Kamerahersteller Canon und dessen relativ bezahlbaren Systemkameras mit APS-C großem Sensor, die mit den analogen EOS-Objektiven kompatibel waren. Mit sechs Megapixeln Auflösung lieferten diese Geräte in etwa die Bildqualität, die man bis dahin im analogen Amateurmarkt gewohnt war. Der Hamburger Fotograf Klaus Westermann begann schon sehr früh in den Neunzigern damit, komplexe Montagen für seine damals eher illustrativen Bilder für Computermagazine umzusetzen. Vor dieser Zeit war die Arbeit mit digitalen Bildern eine ziemlich zeitaufwendige und teure Angelegenheit. Zwar gab es schon Mitte der 90er Jahre günstige Scanner zum Digitalisieren von Papierabzügen, doch hochwertige Dia/Negativ-Scanner und „fotofähige“ PCs verbreiteten sich erst Ende der neunziger Jahre auch außerhalb der Welt von professionellen Kreativen. Hinzu kam das Problem der mangelnden Rechenleistung. Wer komplexe Fotomontagen in DIN A4-Druckgröße oder gar größer gestalten wollte, musste noch Mitte der Neunziger ganze Nächte einkalkulieren, um die dafür oft nötigen Berechnungen durchzuführen. Einen technisch relativ einfachen, eher spielerischen, für die ersten Photoshop-Amateure aber dafür typischen Ansatz hat die Lehrerin Rike Mahlberg bei ihrem Ahnen-Projekt gewählt. Aus einem Mix historischer Fotoporträts mit eigenen Aufnahmen von Tierköpfen entstanden dabei surreale Montagen, die ein Märchen hätten illustrieren könnten. Zur Jahrtausendwende besaßen schon viele privat genutzte PCs Pentium-Prozessoren mit 16 und mehr Megabyte Arbeitsspeicher sowie Grafikkarten, die imstande waren, zumindest 32000 Farben darzustellen. Trotzdem schritt die Begeisterung der ernsthaften Fotografen für das digitale Bild nur langsam voran. Zu verwurzelt war die Haltung, ein Fotograf macht nur das Foto und das Labor erledigt den Rest. Für den gelernten Negativretuscheur Hans-Jürgen Gaelzner war die Werbewelt mit ihren – auch gerne visuellen – Übertreibungen kein Neuland, als er Photoshop für sich und seine Arbeit entdeckte. Die ausgefeilten Funktionen der späteren Photoshop-Versionen erwiesen sich für Composing-Spezialisten der alten Schule wie ihn allerdings als zweitrangig. Sie hatten mit Ebenen, Gradationskurven und Malwerkzeugen im Grunde schon alles, was sie brauchten. Was die hochauflösenden Fotovorlagen nicht mitbrachten, haben sie oft kurzerhand selbst hinzugemalt. So blieb bis etwa 2005 der Einsatz von Photoshop vor allem den fotografisch orientierten „Bildverbesserern“ vorbehalten, die damit befasst waren, gleichermaßen technische Bildfehler wie fotografische Defizite der Aufnahme zu korrigieren. Zeitgleich entdecken vermehrt in erster Linie selbst nicht fotografierende Kreative die Möglichkeiten Photoshops für Collagen und Fotomontagen – oft unter Rückgriff auf vorhandene Bilder. Teil 2 lesen Sie in DOCMA2go 49

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