Das postapokalyptische Rotlichtviertel

Für viele Kreative ist der Corona-Lockdown eine Zeit des Leerlaufs. Robert Larsen nutzte die Arbeitspause, um an freien Projekten zu arbeiten. Solche Arbeiten eignen sich, um neue Herausforderungen zu meistern, für die sonst wenig Zeit bleibt. | Christoph Künne Als sich Robert Larsen mit seiner Arbeit „Love Station“ bei uns für die „Friends of DOCMA“ bewarb, war die erste Frage: Welche Geschichte steckt wohl dahinter? „Ursprünglich war ich nur auf der Suche nach einen Objekt, das ich in Cinema4D als Fingerübung modellieren konnte“, erinnert sich Larsen. „Schnell fand ich einen PC-Gehäuselüfter und begann ihn in 3D nachzubauen. Doch schon nach einer guten Viertelstunde war die selbst gestellte Aufgabe gelöst. Ich wollte das C4D-Dokument nicht löschen und überlegte mir eine Szenerie, in der ich den Lüfter weiter verwerten könnte. Während des Lockdowns erschien mir die Welt total verdreht, und meine überspitzte Darstellung sollte eine neue Welt nach der Krise zeigen. Ein postapokalyptisches Rotlichtviertel sozusagen. Einen Auftrag gab es bei diesem Bild also nicht. Allerdings muss man sich in der Selbstständigkeit auch manchmal einen eigenen Auftrag erteilen, um das Portfolio zu erweitern. Nach meiner Erfahrung lassen sich so am besten neue Kunden gewinnen, mit denen man gerne arbeiten möchte. Die Models wurden zuvor mit 3D-Dummies simuliert, um die Lichtführung (besonders mit Color-Gels) zu überprüfen. Das Schöne bei Cinema 4D-Szenen ist, man kann die Kamerahöhe, die Brennweite, den Aufnahmewinkel und das Licht genau auslesen und im Studio für das Compositing verwenden. Die finale fotografische Arbeit im Studio war dann super einfach und machte einen riesigen Spaß. Eine Portion Photoshop zum Abschluss, um die Personen zu montieren, ist natürlich ebenfalls noch notwendig.“ Mehr Infos zu Robert Larsen und seinen anderen Projekten gibt es auf seiner Website: www.robertlarsen.de 01 Die Konstruktion (Cinema 4D) Links im unteren Bild ist der Ausgangspunkt des Projekts gut zu erkennen: der PC-Gehäuselüfter, den Robert Larsen ursprünglich als 3D-Fingerübung umsetzen wollte. Die restliche Szenerie ist zunächst ebenfalls aus relativ einfach konstruierten Elementen mit der Software Cinema 4D entstanden. In dieser ungerenderten Ansicht sind bereits alle Details enthalten und mit den entsprechenden Texturen versehen. Außerdem erhält man hier auch schon eine Vorschau auf die spätere, aus mehreren Farben gemixte Lichtstimmung. 02 Texturen (Cinema 4D) Der visuelle Realismus aus der Retorte einer 3D-Konstruktion beruht vornehmlich auf zwei Komponenten: erstens der Qualität der eingesetzten Texturen und zweitens der Komplexität des Renderings. Eine große Herausforderung sind „echte“ Oberflächen, die man – wie hier zum Beispiel die Struktur des gelben Wandtelefons – im Idealfall aus Texturen auf Basis eigener Fotos erzeugt (auf Seite 63 am rechten Bildrand zu sehen). Das Rendering des Motivs, also die Berechnung der Licht- und Schattenverhältnisse aus den digitalen Rohdaten, hat bei einer Auflösung von 4K auf einem Windows-PC mit zwölf Prozessorkernen rund 18 Stunden gedauert. 03 Clayrender (Cinema 4D) Das „Clayrender“, ins Deutsche mit „Lehmberechnung übersetzt, wird in der Regel nach dem Modellieren angefertigt, um eine Szene auf unerwünschte Artefakte zu überprüfen. Zudem hat man damit die Möglichkeit, das Licht und den daraus resultierenden Schatten sauber zu steuern, ohne von Texturen abgelenkt zu werden. Man bekommt also schon direkt nach dem Modellieren der Szene einen ersten Eindruck vom gesamten Werk. 04 Model-Planung (Cinema 4D) Jeder Fotomonteur kennt das Problem unglaubwürdiger Lichter und Schatten. Wenn man seine Bildhintergründe in 3D erzeugt, kann man mit Dummies arbeiten, die an den Stellen ins Bild gesetzt werden, wo später real fotografierte Personen zu sehen sein sollen. Mit ihrer Hilfe ermittelt man die Lichtsituation, die dann später im Fotostudio mit den echten Models nur noch nachgebaut werden muss. Falls das nicht gelingt, hat man hier zumindest eine Vorlage, anhand derer man die nötigen Schatten notfalls später selbst ins Bild malen kann. 05 Models fotografieren (Capture One) Wer Menschen fotografieren will, um sie später vor einen bereits bestehenden Hintergrund zu montieren, sollte mit einer Software arbeiten, die es erlaubt, schon beim Fotografieren den späteren Hintergrund mit einzublenden. Aktuell beherrscht dieses Kunststück bei den professionellen Fototools nur Capture One, wenn man es im sogenannten „Tether“-Modus benutzt. Mehr dazu lesen Sie ab Seite 46. Robert Larsen hat die Software bei diesem Projekt eingesetzt, um seine drei Modelle im Studio für ihre spätere Verwendung im Compositing aufzunehmen. Er arbeitete beim Fotografieren bereits mit passenden Farbfolien, um sich nachträgliche Farbanpassungen zu ersparen, wie wir sie in DOCMA 95 ab Seite 56 beschrieben haben. 06 Montage (ab hier: Photoshop) Hier sehen Sie das erste Ergebnis nach der Montage der drei im Studio fotografierten Personen inklusive ihrer Schatten. Das Ganze wirkt zwar schon sehr real, erinnert aber noch stark an eine extrem hochauflösende Computergrafik oder eine hyperrealistische Zeichnung. Auch wenn die Lichtstimmung einer realen Nachtsituation mit Kunstlichteinflüssen sehr nahe kommt, fehlt doch noch der optische Kick, der aus dem nur korrekten Bild eines macht, das man sich als Stimmungsgemälde interessiert ansieht. 07 Detail-Anpassungen Um die nötige Realitätsnähe herzustellen, sind viele kleine Anpassungen nötig. Bei der jungen Frau links finden sich in der Photoshop-Datei zwölf Korrekturebenen, bei dem Mann rechts sogar zwanzig. Vergleicht man die Darstellungen mit dem „Vorher“ in Schritt 06, lassen sich nur mit Mühe Unterschiede feststellen. Genau diese Details sind es aber, die aus dem „irgendwie“ realistischen Bild eines machen, das visuell glaubhaft erscheint. 08 Künstliche Spiegelung Der Mann, der in die Aussparung des Hochparterres montiert ist, soll im fertigen Bild hinter einer Scheibe stehen, die in Cinema 4D angelegt wurde, und bereits Spiegelungen und Reflexe der Umgebung zeigt (a). Weil das Model ohne Scheibe fotografiert wurde (b), ist die simulierte Scheibe davor immer ein Stück Photoshop-Handarbeit, für das es bisher keine Automatiken gibt. Die typischen Merkmale, die man per Photoshop hinzufügen muss, sind vor allem Helligkeitsunterschiede (c) und reduzierte Kontraste (d). Präzise Anweisungen sind schwierig. Die Korrekturen beziehen sich auf visuelle Erfahrungen, deren genaue Beobachtung und Umsetzung mithilfe vieler »Gradationskurven« und »Ebenenmasken« (e) am Ende das glaubhafte Ergebnis ausmachen. 09 Bewegung Um das Lüfterrad ein wenig zu animieren, gibt es verschiedene Möglichkeiten: Naheliegend wäre es, die Simulation der Bewegung in Cinema 4D zu rendern. Nur würde dieser kleine Gimmick sehr viel zusätzliche Renderzeit erfordern. Schneller und einfacher ist es, die Ausgangsebene (a) zu duplizieren und dann die Bewegung in Photoshop mit dem Filter »Bewegungsunschärfe« (b) berechnen zu lassen. Damit sich das Ergebnis nur auf das Lüfterrad auswirkt und nicht auch auf den Rest des Bildes (c), blendet man die Ebenen zunächst per schwarzer Ebenenmaske aus, um anschließend nur das etwas unschärfere Lüfterrad mit dem Pinsel und weißer Farbe wieder einzumalen (d). 10 Der finale Look Die Abstimmung des finalen Looks ist ein ähnlich aufwendiges Prozedere wie die Ausarbeitung der Details in Schritt 3. Auf insgesamt 27 Ebenen (vor allem Einstellungs-Ebenen) hat sich Robert Larsen Schritt für Schritt an den finalen Farblook herangearbeitet. Gegenüber dem Zustand in Schritt 6 ist die Aufhellung der dunklen Schattenbereiche gut erkennbar. Larsen ist hier sehr punktuell vorgegangen. Mal hat er Aufhellungen als eine Art „Nebel“ mit weißer Farbe eingemalt, mal kam die Tiefenaufhellung des »Camera Raw-Filters« und dann wieder eine Ebene des »Kanalmixers« im »Luminanz«-Modus zum Einsatz. Was man daran lernen kann, ist, dass es nicht zwingend ist, wie der beste, der technisch direkte Weg aussieht, sondern vor allem, dass gelungene Lichtstimmungen durch die Arbeit an vielen kleinen Details entstehen und vermutlich auch eine längere Zeit brauchen, in der man als ihr Erschaffer wieder und wieder kleine Modifikationen vornimmt. Man könnte auch sagen, dass solche aufwendigen Arbeiten Zeit zum Reifen brauchen und sich nicht einfach von jetzt auf gleich erschaffen lassen. Und genau dafür hat der Corona-Lockdown vielen Kreativen den nötigen Freiraum geboten. (ck) Video Hier gibt es als Bonus ein Making-of-Video zu dem Projekt.

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